Edward Weston y la belleza simple

Hoy en el apartado de Maestros de la Fotografía quiero hablar sobre Edward Weston. Nacido a finales del siglo XIX, está considerado como uno de los fotógrafos mas innovadores e influyentes del siglo XX. Durante sus cuarenta años de carrera hizo todo tipo de imágenes, paisajes, naturalezas muertas, desnudos, retratos o escenas de género.

Weston pasó la mayor parte de su infancia en Chicago y sus primeras fotografías surgieron entre los parques de esta ciudad y la granja de su tía. A principios de siglo se  marchó a California, donde empezó a trabajar como fotógrafo ambulante, allí vendía su mercancía de puerta en puerta, fotografiando niños, mascotas y funerales.

Enseguida se dio cuenta de que necesitaba aprender más, así que regresó a su Illinois natal y se matriculó en la Universidad para estudiar fotografía. Terminó sus estudios fotográficos en 18 meses y regresó a California para trabajar como fotógrafo en un estudio y así demostrar sus grandes conocimientos de posado e iluminación.

Weston y su famosa cámara de placas con un formato de 18x24cmm

Unos años más tarde, Weston abrió propio estudio fotográfico en Trópico, California. Esta sería su sede de operaciones en las próximas dos décadas. Sus imágenes tenían un  enfoque suave y eran de estilo pictórico. En poco tiempo, gracias a sus retratos en clave de alta consiguió forjarse una gran reputación como fotógrafo. Numerosos artículos sobre su trabajo fueron publicados en prestigiosas revistas de fotografía y además, él mismo publicó artículos en dichas revistas.

En 1912 contrata como asistente a la fotógrafa Margrethe Mather, que se convierte en colaboradora y modelo durante una década. Mather fue una gran fotógrafa aunque estuvo siempre eclipsada por la fama de Weston. Sin duda, ella tuvo una gran influencia en la fotografía de Weston, llegando él a decir que era la mujer más importante en su vida.

En 1922 durante un viaje a Ohio, Weston visita la fábrica de acero ARMCO, allí hace una serie de fotografías alejadas radicalmente del pictorialismo. Eran imágenes abstractas, nítidas y con mucho detalle. Esta serie de imágenes, donde destacaban las de enormes chimeneas de la industria del acero, estaban hechas sin pretensiones y eran fieles a la realidad. Durante este viaje también visitó Nueva York, donde conoció a Alfred Stieglitz y Paul Strand, además sus imágenes fueron publicadas en la Camera Work. 

Fotografía de ARMCO Steel Ohio, Edward Weston

“La cámara debe ser utilizado para una grabación de la vida, para la representación de la propia esencia y la quintaesencia de la cosa misma, ya sea de acero pulido o la carne palpitante.”

Edward Weston

Al año siguiente Weston se trasladó a la Ciudad de México, donde abrió un nuevo estudio fotográfico con su aprendiz y amante Tina Modotti. Muchos retratos y desnudos importantes fueron realizados durante su estancia en México.

Tina Modotti fotografiada por Edward Weston

En 1926 vuelve de nuevo a California y comienza uno de los trabajos que posteriormente le dio fama mundial: las formas naturales, primeros planos, desnudos y paisajes. Entre 1927 y 1930, Weston hizo una serie de monumentales primeros planos de conchas, pimientos, coles y reducido a la mitad, con lo que las ricas texturas de sus formas escultóricas.

Hoja de Col, Edward Weston (1931)

En 1929 se traslada a Carmel, California y allí realiza la primera de muchas fotografías de las rocas y los árboles de Point Lobos, California.

En 1932 se convirtió en uno de los miembros fundadores del Grupo f/64  junto a Ansel Adams, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y Noskowiak Sonya. El grupo eligió este término óptica, ya que habitualmente establecer sus lentes para que la abertura para asegurar la nitidez de imagen máxima de ambos en primer plano y la distancia.

En 1936 marcó el inicio de la serie de desnudos y dunas de arena en el Océano, California, que a menudo se consideran algunas de sus mejores trabajos. Weston se convirtió en el primer fotógrafo en recibir una beca Guggenheim para el trabajo experimental en 1936. Tras la recepción de esta beca Weston pasó los siguientes dos años tomando fotografías en el oeste y suroeste de Estados Unidos con su asistente y futura esposa, Charis Wilson.

From Point Lobos, Edward Weston

En 1941 con fotografías del Este y del Sur Weston realizó ilustraciones para una nueva edición de Hojas de Walt Whitman de hierba.

En 1946 fue diagnosticado de Parkinson y en 1948 realizó su última fotografía de Point Lobos. En 1946 el Museo de Arte Moderno de Nueva York presentó una gran retrospectiva de 300 copias de los trabajos de Weston.

Sandstone Erosion, Point Lobos, Edward Weston

Durante los próximos 10 años de una enfermedad progresivamente incapacitante, Weston supervisó la impresión de sus imágenes realizadas por sus hijos, Brett y Cole. Entre 1952 y 1955 su hijo Brett realiza el Proyecto de impresiones. Una serie de 8 a 10 copias de 832 negativos consideradas lo mejor de la vida de Edward Weston. La Institución Smithsonian celebró el espectáculo, “El mundo de Edward Weston” en 1956 en homenaje a sus logros notables en la fotografía americana.

Edward Weston murió el 1 de enero de 1958 en su casa, Wildcat Hill, en Carmel, California. Sus cenizas fueron esparcidas en el Océano Pacífico en la playa de piedras de Point Lobos. 

Edward Weston nos enseñó que la belleza está presente en todas las cosas que nos rodean. Con la fotografía de una solitaria hoja de una col nos demostró que la belleza está en cualquier cosa de nuestro alrededor por muy insignificante que sea. 

El estilo fotográfico

Una de las  cosas que más fascina de la fotografía es que ante una misma escena cada persona consigue hacer una fotografía diferente. Esto es debido a que cada una de ellas tiene una visión del mundo y un estilo fotográfico particular. Pero, ¿qué factores influyen a la hora de crear un estilo fotográfico propio?.

Podríamos definir el concepto estilo fotográfico como una manera personal de hacer fotografía. Es el factor que diferencia las fotos de dos artistas distintos y es aquello que hace que las imágenes de un mismo fotógrafo parecen estar unidas por algo en común.

Fotografía tomada con una Fujifilm X-T200 y un 23mm f/2 en Valencia

 Los dos primeros factores que marcan un estilo fotográfico son la temática (lo que se quiere contar) y el lenguaje (cómo lo vas a contar). El fotógrafo tiene que elegir qué contar y cómo quiere hacerlo. Para ello, las herramientas que utilice el fotógrafo, son una parte muy importante en su manera de comunicar. La utilización de una focal en concreto y las razones personales para hacerlo, hace que el fotógrafo empiece a definir su propio estilo fotográfico.

Una vez elegido el equipo de trabajo toca elegir el encuadre, la composición y el foco. Todas estas variables son elementos formales que tienen las fotografías, son a elección del  autor y están estrechamente relacionadas con su personalidad. El fotógrafo no se puede considerar en ningún caso como un mero observador. Aunque este no quiera verse implicado en el resultado de la fotografía, no va a poder evitarlo. Su manera de mirar, su opinión preconcebida sobre el motivo retrato, su estado de ánimo o sus circunstancias personales en el momento de la toma, se verán reflejadas en la imagen obtenida. 

La combinación de todos estos elementos permite tener un estilo único, diferente al de otras personas. Tener un estilo fotográfico personal requiere de tiempo, pero a la larga se convertirá en algo que surge de manera natural. Se podría decir que forma parte de la evolución personal  del fotógrafo y seguramente sea diferente en distintas épocas de su vida.

Straight Photography

Como ya hemos visto en el artículo que dediqué a la Photo-Secession, el Pictorialismo marca la historia de la fotografía en el cambio del siglo XIX al XX. Pero ya en la primera década del siglo XX, se empezaba a ver cómo algunos fotógrafos progresistas se interesaban por una nueva estética basada en hacer fotos que no simularan ser pinturas.

Este nuevo estilo se llamó Straight Photography (Fotografía directa), y estuvo defendido por Alfred Stieglitz y el joven Paul Strand. La Fotografía Directa reivindicaba la fotografía como medio artístico, pero sin preparar o intervenir el tema a representar en las imágenes.

Alfred Stieglitz defensor del pictorialismo, fue cambiando de pensamiento hacia esta manera diferente y novedosa de hacer fotografías. Esto permitió una de las evoluciones mas importantes de la historia de la fotografía. Y como ocurre siempre con los cambios, el nuevo posicionamiento de Stieglitz provocó muchas peleas dentro del grupo de la Photo-Secession y alguna que otra deserción. Pero gracias a él podemos entender y ver la fotografía tal como es hoy en día.

El objetivo era obtener resultados a través de medios estrictamente fotográficos. Por fin la fotografía era aceptada como medio de expresión legítimo. Los fotógrafos que siguieron esta nueva tendencia, capturaban imágenes en exteriores con breves tiempos de exposición. Además permitían que sus modelos posasen por sí mismos, a diferencia de las forzadas posturas de la fotografía pictorialista.

“Confiad en vuestra cámara, en vuestro ojo, en vuestro buen gusto, en vuestro conocimiento de la composición; considerad toda fluctuación de color, de luz y de sombra; estudiad líneas y valores y divisiones del espacio; esperad pacientemente hasta que la escena o el objeto de vuestra visión se revele en su momento supremo de belleza; en otras palabras, componed tan bien la imagen que queréis hacer, que el negativo sea absolutamente perfecto y necesite poca o ninguna manipulación.”

“A Plea for Straight Photography” -Sadakichi Hartmann (1904)

La fotografía “The Steerage” (El entrepuente) 1907, de Alfred Stieglitz, es el emblema de este movimiento y la que marca la nueva dirección a seguir. Con esta imagen Stieglitz consiguió mostrar con una imagen la hiriente realidad social desde un punto de vista estrictamente fotográfico. Se considera que la Straight Photography nació en 1910 con la presentación de esta imagen tomada tres años antes.

The Steerage (El entrepunce) – Alfred Stieglitz (1907)

Stieglitz nos sitúa en un punto de vista desde el que podemos observar cómo la escena se divide en dos. En la cubierta superior, vemos una multitud a la que presuponemos de clase media o pudientes: Stieglitz se molestó en testimoniar que la barandilla había sido recientemente pintada y toda la cubierta superior reformada antes de recibir a los pasajeros de esta. Quizás las personas retratadas arriba no parecen ricas, pero desde luego si mucho más que la multitud a la que observan hacinarse en la cubierta inferior, tratando de sobrevivir en unas mucho más humildes condiciones. Stieglitz compone los elementos de la escena utilizando su instinto crítico y deja poco a nuestra interpretación. La realidad es obscena y brutal: unos arriba y otros abajo. Una pasarela que desemboca solo en los de arriba. Una escalera que los conecta pero por la que nadie circula. Un retrato que hace evidente lo obvio: la realidad de la desigualdad.

Por primera vez se fotografía una escena a partir de sus experiencias y vivencias. El fotógrafo se da cuenta de todas las posibilidades que presenta un medio que hasta entonces no había sido valorado en toda su plenitud.

Desde aquí, autores tan importantes como Paul Strand con sus retratos callejeros y más tarde con la formación del grupo f64 creado por Ansel Adams, John Paul Edwards, Sonya Noskowiak, Henry Swift, Willard van Dyke, Edward Weston e Imogen Cunningham, la Straight Photography empezará a explicarnos el mundo a través de la fuerza de la mirada del fotógrafo.

La fotografía dejó su dependencia de la pintura y consiguió tener pleno valor. El fotógrafo se hizo dueño de la situación. El momento estaba ahí y sólo faltaba que alguien lo viera. En la fotografía directa no había trucos ni artificios. Pero todo esto sólo fue un paso más en la evolución de la fotografía, ya veremos cómo evoluciona la fotografía a partir de este momento.